Sin principio / sin final

Comisionada y producida por la Universidad Nacional de Colombia en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y Acción Cultural Española, AC/E. www.accioncultural.es

Cómo llegar

Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia

ARTBO 2017 en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia
Octubre 26, Sin principio / Sin final: Performance.

Proyecto en colaboración del artista Mateo López con el coreógrafo y bailarín Lee Serle (Merbourne, Australia 1981).

Organiza: Acción Cultural Española, Foco Cultura España Colombia y la Dirección de Patrimonio Cultural de la Universidad Nacional de Colombia.

Con la colaboración del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia.

Parte de la exposición antológica de Ignasi Aballí (Barcelona 1958) curada por João Fernandes para las salas del Museo Reina Sofía de Madrid, compuesta principalmente por obras producidas durante los últimos diez años de la actividad del artista, así como por un conjunto de obras pensadas para su inserción en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Para acoger su visita hemos invitado a dos artistas colombianos de generaciones posteriores que comparten su aproximación al arte: Bernardo Ortiz (1972) y Mateo López (1978); para ofrecer diálogos y conexiones que los espectadores establecerán libremente si aceptan el reto que les proponen los artistas a extremar su propia percepción y a expandir las nociones que tienen sobre lo visible, las categorías de lo real, y los valores del arte y su forma de concebirse.

Son artistas que recogen formas de hacer y de pensar de la vanguardia histórica del arte conceptual, por su economía de recursos y por su constante alusión al texto, al lenguaje, a los objetos e imágenes encontrados; y la necesidad de subvertir la materialidad del arte para llevarlo al límite de las ideas e imágenes que se forman detrás de la retina, antes de la visión; así como un cuestionamiento de los valores culturales y económicos de la obra de arte para llevarla al extremo de su invisibilidad; también a una condición efímera, y a veces a su futilidad, para poner en juego la idea del autor, que en esta ocasión funge como un coleccionista de archivos, datos, colores y formas.

Contrasta con esta idea del arte, la entrega minuciosa y silenciosa a la contemplación y archivo de la cotidianidad. El tiempo continuo no se detiene, dada la repetición interminable de las cosas que se nombran y se suceden sin principio / sin final.

La pintura, el estudio del color, el dibujo, el libro, la escultura, y la categoría de la instalación, aunque renovadas, insólitas y radicales en su ascetismo, siguen operando en la búsqueda de la poesía que encuentran en el más ordinario pasaje de la vida. También como forma de homenaje al oficio de contemplar y de percibir entre las líneas y los márgenes las múltiples posibilidades de lo real y de lo que somos.

SOBRE LOS ARTISTAS

Ignasi Aballí

El trabajo de Ignasi Aballí desafía permanentemente la atención y percepción del espectador. Utilizando estrategias características del arte conceptual, como el texto, el archivo y el documento, sus proyectos subvierten las distinciones entre géneros artísticos como la pintura, la literatura, la fotografía, la instalación, el cine y el vídeo y cuestionan, asimismo, el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte y el valor cultural o económico de los objetos.

Desde los inicios de su trayectoria en los años 80, una serie de constantes y preocupaciones han centrado su labor: la invención y reorganización de textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así, relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que se les atribuye.

La obra de Ignasi conjuga piezas con un alto contenido crítico, creadas mediante el uso de referentes cotidianos, para aludir a la propia exposición de su obra y al juego de la percepción por parte del espectador.

Mateo López

El artista colombiano es conocido por su variada obra que presenta un enfoque conceptual abarcando desde dibujos hasta instalaciones, arquitectura, cine y, lo que él llama, “coreografías escultóricas”, todos representando viajes artísticos que giran en torno a los temas del azar, los encuentros que tienen lugar en nuestra vida cotidiana.

Entre las exposiciones de López de los últimos cinco años se encuentran, a partir de su primera exposición individual de museos: Undo List, The Drawing Center, Nueva York (2017); Una mala hierba es una planta fuera de lugar, Lismore Castle Arts, Lismore, Irlanda (2016); Una habitación dentro de una habitación, Casey Kaplan Gallery, Nueva York (2015); Huellas de la Existencia, Centro Ullens de Arte Contemporáneo, Beijing (2015); Estados Unidos de América Latina, Museo de Arte Contemporáneo, Detroit (2015); Constelaciones, Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia (2014); Casa desorientada, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas, Medellín, Colombia (2013); Avenida Primavera CasaNo. 2, Casas Riegner, Bogotá, Colombia (2012).

Actualmente vive en Nueva York.

Bernardo Ortiz

La práctica de Bernardo Ortiz se define por el cuidadoso entretejido del dibujo, la filosofía, el diseño y la escritura en obras cuyo apoyo -aunque decisivo- actúa como espacio de convergencia y tensión. Capas infinitas de aceite o de esmalte, palabras repetidas y descontextualizadas cuidadosamente colocadas sobre un papel que recuerda una constelación de estrellas, cientos de líneas sutiles hechas en grafito, marcas diminutas en tinta china o guache o una sucesión de pliegues metódicos y aleatorios, pocas de las estrategias formales empleadas por el artista; además de enfatizar la bidimensionalidad del soporte, estas estrategias ponen énfasis en el significado del acto de hacer. Completadas a través de largos procesos de acumulación que sugieren el paso del tiempo, las obras que tratan de destacar la noción de superficie como territorio catalizador donde lo pictórico, lo literario y lo impreso se juntan en un juego visual y conceptual basado en el vocabulario de la pintura moderna. Libres de marcos y siempre “expuestos” para manifestar su naturaleza vulnerable y aprehender su materialidad, los dibujos de Ortiz no son sólo comentarios sutiles sobre la pintura, sino también reproducciones sobre un soporte que articulan la compleja relación entre imagen y texto.

Los espectáculos recientes incluyen: “Universo Holograma”, Museo La Tertulia, Cali, Colombia (2017); “Borrar”, MAMBO Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina (solo, 2016); “Agora somos más de mil”, Parque Lage, Río de Janeiro, Brasil (2016); “Dibujar y robar”, Alarcón Criado, Sevilla, España (solo, 2015); “Hotel Theory”, REDCAT, Los Ángeles, EE.UU. (2015); Bienal de las Américas, MCA Museo de Arte Contemporáneo, Denver, EE.UU. (2015); Bienal de dibujo, Sala de dibujo, Londres, Inglaterra (2015); “Ensayo”, Casas Riegner, Bogotá (solo, 2013); “Ephemeropterae”, TBA 21, Viena, Austria (2013); 30ª Bienal de São Paulo (2012); 11ª Bienal de Lyon (2011).

Su obra forma parte de las siguientes colecciones: CNAP Centro Nacional de Artes Plásticas, Francia; Deustsche Bank, Alemania; CPPC Colección Patricia Phelps de Cisneros, USA; Museo de Arte Moderno MoMA, Nueva York; Tate Collection, Inglaterra; Colección Kadist, San Francisco / París; Colección Maraloto, Bogotá, Colombia; Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.

Ortiz fue co-curador de la VII Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil) y del 41 Salón Nacional de Artistas (Cali, Colombia). Trabajó como profesor en la Universidad de Los Andes en Bogotá, Universidad del Valle y en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali.